Tras el éxito sin precedentes de “Evil Dead: el despertar”, el guionista y director Lee Cronin aborda una de las historias de terror más emblemáticas de todos los tiempos con una versión audaz y retorcida: “La posesión de la momia”. 

La hija pequeña de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años después, la familia, destrozada, se lleva una gran sorpresa cuando la niña regresa, ya que lo que debería ser un reencuentro feliz se convierte en una pesadilla viviente.

La película tiene como protagonistas a Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natalie Grace y Verónica Falcón. Cronin se encargó del guion y la dirección, mientras que la producción quedó a cargo de James Wan, Jason Blum y John Keville. Los productores ejecutivos son Michael Clear, Judson Scott, Macdara Kelleher y Lee Cronin. 

Cronin cuenta con el apoyo detrás de la cámara de un equipo de excelentes profesionales del cine, entre los que se incluyen el director de fotografía Dave Garbett, el diseñador de producción Nick Bassett, el montador Bryan Shaw, la diseñadora de vestuario Joanna Eatwell, la música de Stephen McKeon y el casting a cargo de Terri Taylor y Sarah Domeier Lindo. 

New Line Cinema, Atomic Monster y Blumhouse presentan, una producción de Wicked/Good, una película de Lee Cronin: LA POSESIÓN DE LA MOMIA. Warner Bros. Pictures distribuye la película a nivel mundial con estreno programado a partir del 16 de abril de 2026 solo en cines y en pantallas IMAX.

EN CONVERSACIÓN CON…

LEE CRONIN (director / guionista / productor ejecutivo)

GÉNESIS

LEE CRONIN: Una de las cosas que más me gustan de ser cineasta es no saber, necesariamente, lo que me espera a la vuelta de la esquina. Y no necesariamente pensé que hacer una película sobre una momia o una película llamada LA POSESIÓN DE LA MOMIA fuera a ser lo siguiente en mi agenda hasta que empezó a surgir la conversación sobre el tema de que, quizá, nunca se había hecho una versión verdaderamente aterradora. Eso despertó mi interés, pero, como siempre, necesitaba encontrar una historia. Y una vez que lo hice —encontré una leyenda, un conjunto de personajes que me interesaban, una historia que transcurre en dos épocas diferentes en torno a las mismas personas—, empecé a sentirme realmente atraído e involucrado con lo que esto podría llegar a ser. Y siempre es difícil cuantificarlo o definirlo con exactitud, pero una historia en ese momento, si te cala hondo como si te tuviera atrapado, me cuesta mucho dejarla ir. 

LEE CRONIN: Con esta película, quería contar una historia sobre un secreto enterrado. Las momias forman parte de la tradición egipcia. Siempre tienen que ver con secretos, cosas que descubres más adelante, pero también sabía que no iba a ser algo que transcurriera a lo largo de 3000 o 4000 años, aunque hay elementos de esta historia que sí tienen esa profundidad enterrada en el misterio. Hay conexiones que se remontan a miles y miles de años, pero la historia principal trata de alguien que desaparece y regresa, no necesariamente antes de lo esperado, pero sí antes de que haya transcurrido toda una vida. Así que me pareció que investigar ese misterio —ser capaz de profundizar en él— iba a ser una parte realmente interesante y un verdadero punto de diferenciación en esta película, y algo que siempre me ha encantado y disfrutado.

NIVELES

LEE CRONIN: Quise contar algo que tuviera más que una simple trama principal, pero que también tuviera otras cosas sucediendo en segundo plano. Entonces, hay un gran enfoque detectivesco en esto, lo cual quizá sea un poco diferente a una película de terror convencional que puedas ver, al tiempo que también cuenta con muchos de los elementos tradicionales de la casa encantada. La película que tenía en mente al abordarla era una especie de combinación entre POLTERGEIST (Juegos diabólicos) y SE7EN (Los 7 pecados capitales), que encapsula el lado más duro de la investigación policial y, también, algo del horror corporal más oscuro; y luego está POLTERGEIST en términos de las circunstancias excepcionales a las que se enfrentan. Posteriormente, con la familia de esta película, POLTERGEIST también fue un punto de referencia para captar las relaciones domésticas y el cariño que existía entre los miembros de la familia. Sin duda, quería mezclar algunos temas realmente oscuros con algo de calidez. Y siempre pienso que la familia es una forma estupenda de entrar en una historia, especialmente en una de terror, porque es algo con lo que todos podemos identificarnos.

UN MONSTRUO A PLENA LUZ DEL DÍA

LEE CRONIN: Esta película es una película de monstruos y la creación del monstruo en tu historia siempre tiene una gran importancia. Una de las cosas que tuve claras desde el inicio fue que quería situar a este monstruo a plena luz del día y que tanto el público como la familia experimentaran la presencia de algo desconocido, algo que está ahí, algo que parece extraño, pero que aún no se ha revelado por completo. Y, de nuevo, el concepto de la película se prestó a este lento desvelamiento, en lugar de a una explosión repentina de terror en tu cara. El diseño del monstruo se inspiró en esta idea de un secreto enterrado. Las capas se han asentado y —inicialmente a los ojos y en la mente de las personas que quieren a Katie cuando regresa— se trata de mejorarla, curarle la piel, curarle la carne, hacerla sentir más cómoda. Encontrar una forma de comunicarse con ella, pero sin reconocer que algunas de las cosas que, aparentemente, le pasan están, en realidad, relacionadas con lo que le ocurrió en primer lugar.

LEE CRONIN: El aspecto del monstruo también se inspiró en gran medida en el misterio de la historia y amo cuando suceden cosas así, en lugar de limitarse a decir: “Oye, hagámoslo aterrador. Hagámoslo espeluznante”. Hay un propósito detrás de todas las decisiones que tomamos. Hay un propósito detrás del color de su piel cuando la conocemos por primera vez y de cómo evoluciona. Puede parecer que se está recuperando, cuando en realidad está empezando a descomponerse de una forma diferente. Así que todo eso —las distintas etapas a lo largo de la película que queríamos explorar con el aspecto monstruoso— se planificó meticulosamente desde el principio.

TERROR

LEE CRONIN: Esta es una película que toca varios acordes diferentes del terror y yo tengo un historial y renombre por ser alguien que crea escenas bastante sangrientas e imágenes bastante impactantes. Y esta película no es diferente en muchos aspectos, pero también juega con la psicología, el terror y los escalofríos. Creo que cuando se trata de gore y de imágenes que verdaderamente llaman la atención y se te quedan grabadas en la mente, hay que ganárselo. Tiene que basarse en el contexto. Creo que, para mí, la ecuación es sencilla: encontrar personajes de los que la gente se enamore y, entonces, quizá puedas empezar a apretar las tuercas y hacerles cosas horribles. Sin esa conexión con los personajes, creo que la sangre y la violencia fallan. Cuando veo películas que no tienen ningún personaje, peso, profundidad o dimensionalidad, pierdo el interés muy, muy rápidamente.

LEE CRONIN: Pero sí creo que el poder de las escenas gore y de terror que se te quedan grabadas indeleblemente en la cabeza son aquellas en las que todo forma parte de la experiencia. Intento pensar en las películas que hago y en las historias que cuento como una especie de atracción oscura o montaña rusa. Y a veces es el silencio y otras ocasiones es, simplemente, avanzar hacia la esquina… pero, a veces, también necesitas que te golpeen de forma muy dramática en la cara y en la mente con algo que te acelere el corazón por completo y cambie cómo te sientes respecto a la experiencia en ese momento. Y, sí, el poder de una imagen aterradora es algo realmente especial y único con lo que siempre me encanta jugar y que utilizo para llevar al público a un viaje y también para entretenerlo.

LEE CRONIN: Creo que cuando intentas conseguir un gran efecto en las escenas de terror, tiene que haber algo familiar en ellas o, al menos, es lo que a mí siempre me atrae. Así que, si echo miro en retrospectiva a mi película anterior, EVIL DEAD: EL DESPERTAR, tiene la famosa escena del rallador de queso, por ejemplo. Sabía que quería incluir algo doméstico en la escena para impactar a la gente y entré en mi cocina y, ¡eh!, ahí estaba el rallador de queso. Y es como, sí, todo el mundo tiene uno en la cocina. Todo el mundo tiene un marco de referencia. En esta película ocurren cosas igual de espeluznantes e inusuales, pero, de nuevo, siempre en torno a elementos ligeramente domésticos.

EL REPARTO

LEE CRONIN: Estaba muy entusiasmado por trabajar con Jack Reynor. Como compatriota irlandés, lo conozco y admiro su trabajo desde la distancia, hace varios años. Y cuando Jack leyó el guion, creo que yo estaba en España haciendo un reconocimiento para la película, y me desperté con un mensaje de texto que decía: “¿Cuándo podemos hablar?”. Estuvo muy motivado desde el principio y eso es algo muy, muy importante. Lo entendió perfectamente. Jack también entiende el género a la perfección, entonces, fue genial tener a alguien en el papel protagonista con quien poder intercambiar ideas sobre lo que te gusta del género y sobre dónde, cómo y por qué funcionan las cosas. Jack aportó un gran liderazgo en el set de filmación. Interpretó el papel con verdadera honestidad y eso fue algo que, en mi opinión, se extendió a todo el reparto de esta película: quería que todos fueran intérpretes realmente naturalistas, como si no hubiera ningún elemento de terror en juego, continuaríamos en este viaje emocional con ellos. Jack guio el camino.

LEE CRONIN: Esta es una historia real: acababa de ver a Laia Costa en el tráiler de una película y enseguida dije: “Esa es Larissa”. Es decir, seguí investigando más sobre su trabajo, pero envié el tráiler al equipo de casting al instante y les dije: “Es ella. Lo sé de inmediato, porque con solo unos pocos planos me di cuenta de que transmitía las emociones de una forma muy real y muy cruda”. Y eso es algo que creo que se ve en esta película. Realmente te compadeces de la difícil situación de los personajes. Y creo que tanto Jack Reynor como Laia Costa han sabido transmitir el trauma que los padres tienen que soportar, la fortaleza, la desconfianza que a veces hay entre ellos, el impulso por intentar resolver las cosas, pero todo ello siempre de una forma que se siente realista y con los pies en la tierra. Creo que esa mezcla de esa naturaleza realista y con los pies en la tierra, junto con todos los elementos intensificados y sobrenaturales que se introducen en su hogar, es, espero, lo que hace que esta película sea especial.

LEE CRONIN: Trabajar con Natalie Grace fue increíble. Para mí, cuando pienso en Natalie, lo primero que me viene a la mente es su compromiso absoluto con el proyecto en todo momento. Este es un momento decisivo para ella como actriz, algo por lo que ha trabajado muchísimo a lo largo de su joven carrera: asumir un papel realmente emocionante y distinto. Cuando haces casting para una película así, ves a muchas personas con distintos perfiles y fortalezas. El casting de Natalie llegó y fue impactante desde el primer momento. Sabía cómo aportar lo físico y lo emocional. Y al hablar con ella, me di cuenta de que su actitud era entregarse por completo a algo como esto. Creo que siempre hay que reconocer y entender lo que implica para alguien interpretar a un monstruo en una película: hasta dónde tienen que llegar, más allá de estar frente a cámara… todo el proceso, las prótesis, la rutina diaria. Puede ser algo bastante solitario. Mientras otros están en procesos distintos o pueden integrarse más fácilmente en el set, ella está atrapada en una silla de maquillaje… pero aun así aportó muchísimo. Y algo increíble de ver fue cómo, partiendo de cierta experiencia, encontró su propio camino a través de lo físico. Todo lo que hace en la película —cómo se mueve, lo que ejecuta— es completamente suyo. Siempre llegaba con ideas; su caja de herramientas creativas estaba llena. Y creo que la interpretación del monstruo es un verdadero testimonio de su fortaleza y de su determinación por hacerle justicia al personaje.

LEE CRONIN: Ya conocía el trabajo previo de May Calamawy y soy fan de lo que ha hecho. En cuanto al proceso, lo que más me gustó de trabajar con May fue que había muchas preguntas, muchas cosas que discutir. Algo que realmente valoro de su forma de trabajar es que hizo todas esas preguntas y, una vez que recibió las respuestas y las procesó, dejó de cuestionar y se entregó por completo al personaje de Zaki. May estuvo súper concentrada y también muy emocionada por asumir este papel y hacer algo bastante distinto a lo que había hecho antes. Disfruté cada vez que llegaba al set de filmación. Puede hacer muchísimo con muy poco: con una mirada, con una intención, logra transmitir a alguien con una vida interior muy intensa. Siento que realmente llegamos a conocer a Zaki y a entenderla. Y eso habla del tipo de intérprete que es May, de su preparación y de cómo la aplica cuando se pone frente a la cámara. También me interesó tener en la historia a un personaje que se sintiera completamente auténtico, desde su lugar, desde su mundo; alguien que quizá no habíamos visto antes en pantalla en una película como esta. Y May llegó y lo interpretó de una manera increíble. Es idiosincrática, muy enfocada y sumamente determinada. 

LEE CRONIN: Elegir a la actriz para el papel de Carmen, como la matriarca y líder de la familia, me resultaba primordial. Carmen, en cierto sentido (aunque desde un lugar cultural muy distinto) es una especie de amalgama de muchas de las mujeres de mi familia. Mi madre, mis tías cuando yo era más joven y la forma en la que las observaba a todas ellas. Es un personaje con muchos matices, que reúne distintos rasgos de personas que he conocido a lo largo de mi vida. Fui muy específico al momento de definir quién debía asumir ese papel. Verónica Falcón llegó con una comprensión muy clara de ese tipo de idiosincrasias de las que yo hablaba. Yo quise a alguien que pudiera ser, hacia afuera, expansiva, elegante y segura de sí misma, pero que también tuviera una gran vulnerabilidad por debajo de la superficie. Verónica hizo un trabajo increíble al dar vida a Carmen; trabajar con ella fue de mis experiencias favoritas que he tenido.

MAESTROS DEL TERROR

LEE CRONIN: Fue muy emocionante colaborar con Blumhouse y Atomic Monster, y también con New Line, con quienes ya tenía una relación profesional y sigo colaborando en el ámbito del terror. Trabajar con Atomic Monster y con Blumhouse —James Wan y Jason Blum— supuso un nuevo comienzo para mí, pero los conocía por su reputación y su buen gusto. Fueron socios brillantes y, a lo largo de todo el rodaje de esta película, lo único que sentí fue que me sostuvieron y apoyaron. Son el tipo de productores que contratan a un cineasta porque creen en él, confían en él y quieren trabajar con él, en lugar de cuestionar o poner en duda lo que intentas crear. Así que fue una experiencia genuinamente fantástica.

DETRÁS DE LA CÁMARA

LEE CRONIN: Originalmente, Nick Bassett [diseñador de producción] y yo trabajamos juntos en EVIL DEAD: EL DESPERTAR, y congeniamos genuinamente muy bien como colaboradores. Tenemos gustos muy similares. Nos encanta que todos los elementos transmitan la sensación de haber vivido, sean reales, con desgaste, con capas de historia. Así que no tuve ninguna duda de que quería volver a trabajar con Nick en esta película. Por la naturaleza elaborada del proyecto y de las escenas diseñadas (set pieces), los dos sabíamos que necesitaríamos construir gran parte de los sets, porque llevar todo eso a locaciones reales habría sido muy complicado. Una de las grandes cualidades de Nick es que, incluso antes de empezar a construir sets, va a locaciones para observar espacios que se parezcan a lo que tienes en mente, para entenderlos mejor, aprender y fijarse en los detalles del mundo real. Entonces, desde muy temprano en el proceso, fuimos a distintos lugares a explorar: recorrimos museos en Irlanda y viajamos a España y a zonas desérticas en busca de inspiración. Nick tiene una obsesión increíble por el detalle, y me parece que el mundo que creó junto con su equipo es verdaderamente impresionante. Puedes visualizar un plano todo lo que quieras, puedes iluminarlo de forma hermosa, pero si lo que está frente a la cámara no es exactamente lo que necesitas, el resultado siempre tendrá un límite. Nick y su equipo son brillantes para colocar justo los elementos correctos frente al lente. 

LEE CRONIN: Dave Garbett, el director de fotografía, también se convirtió en un colaborador en EVIL DEAD: EL DESPERTAR, y trabajar con él fue una experiencia increíble. Siempre tuve claridad sobre querer que él regresara para fotografiar esta película, y espero que siga acompañándome en futuros proyectos. Podría decir lo mismo de gran parte del equipo. Dave es alguien muy divertido y agradable para trabajar, pero al mismo tiempo, es súper enfocado y nunca se estresa. Siempre llega con su mejor nivel, tiene un ojo increíble y sabe cómo tomar mis ideas y llevarlas un poco más allá. En esta película quisimos experimentar con muchas cosas. A mí me encanta usar dioptrías de campo dividido —algo que ya hicimos en EVIL DEAD: EL DESPERTAR— y a Dave también. Así mismo, yo ya sabía que quería acercarme mucho más a los momentos del horror corporal, a esas partes que son más crudas o incluso más grotescas en pantalla. Dave propuso usar lentes tipo sonda (con objetivos macro especializados), que terminamos utilizando de distintas maneras a lo largo de la historia. Siempre tiene una nueva idea o propuesta bajo la manga. Además, hicimos muchas pruebas juntos para encontrar el look adecuado de la película. Como colaboradores, no somos de los que se conforman con un “esto está bien”. Siempre buscamos ir más allá. Y bueno, así suelen trabajar los grandes equipos de dirección y fotografía. Dave es un talento extraordinario, pero también una persona increíble con quien convivir durante meses.

LEE CRONIN: Me encantó trabajar con [la diseñadora de vestuario] Joanna Eatwell en esta película, porque es muy reflexiva en su forma de abordar las cosas. Y, de nuevo, soy un fanático de la textura y los detalles, y ella también. Tiene una gran experiencia. Algo en lo que coincidimos Dave, Nick, Joanna y yo fue en fijarnos siempre en la paleta de colores general de la película. Nada es aleatorio, nada es por casualidad. Hay colores que se repiten en los personajes y los fondos con un propósito específico, y la forma en que el vestuario se integra en ese mundo es verdaderamente importante. Joanna siempre estuvo ahí para colaborar y analizar la estética general que intentamos crear, e identificar en dónde su departamento y su liderazgo podían desempeñar un rol. Pero es una persona tan encantadora con la que trabajar día a día, e incluso cuando estaba estresada, se aseguraba de que yo no lo notara.

UNA HABITACIÓN EN LA OSCURIDAD

LEE CRONIN: Me gusta pensar que las películas que hago son para verse, obligatoriamente, en el cine, porque nos esforzamos mucho para crear una experiencia realmente de gran pantalla: el terror y la emoción, los sets de filmación, las vistas que hay en la película. Y siempre pienso que las películas de terror se disfrutan mejor en grupo. Se consigue esa sensación de movimiento y dinamismo dentro de una sala de cine cuando la gente grita al unísono, da saltos juntxs y las palomitas vuelan al mismo tiempo. Lxs actores, el equipo y yo trabajamos muy duro para crear algo que fuera un auténtico espectáculo de gran pantalla; un evento, algo que hay que ver en la pantalla más grande, escuchar con los altavoces más potentes y disfrutar en compañía. Se trata, simplemente, de ir al cine y pasarlo en grande. 

JAMES WAN (productor) y JASON BLUM (productor)

HISTORIA

JAMES WAN: Con el estado actual del mercado, sabíamos que la película debía ser especial, algo distinto, que realmente se sintiera nuevo. Y más tratándose de la Momia, que tiene tanta historia. Puedes remontarte a lo que hacía Universal Pictures en los años treinta, y luego, también están las grandes películas de Hammer Film Productions, con Christopher Lee interpretando a la Momia. Han habido muchísimas versiones a lo largo del tiempo. En muchos sentidos, es un personaje que ha acompañado toda la historia del cine. Es un ícono increíble. Por eso, creo que es muy emocionante que estemos presentando de nuevo una versión realmente de terror de esta propiedad intelectual.

JASON BLUM: Pienso que lo que distingue a este filme es que, en los inicios de la cinematografía, las películas de monstruos, originalmente, empezaron como películas de terror y, con el tiempo, se hicieron grandes, hasta convertirse en películas familiares para todos los públicos. Fuimos los productores en EL HOMBRE INVISIBLE y esa fue una de las primeras historias en tener el corazón. Y lo que aquellos filmes se propusieron hacer —El hombre invisible, Frankenstein, Drácula, La momia y El monstruo de la Laguna Negra— todas eran historias originalmente de terror que, con el paso del tiempo, se convirtieron en otra cosa. Y creo que algo único de esta película es que toma esta vieja leyenda y la devuelve a sus raíces, que fue lo que era La momia, que da un miedo que te mueres.

TRABAJAR CON CRONIN

JAMES WAN Y JASON BLUM: Desde hace tiempo, somos grandes admiradores de Lee; desde sus películas anteriores y, sencillamente, sentimos que queríamos hacer algo diferente. Quisimos que fuera una película de terror, visceral y potente, que por eso se diferenciara de las anteriores entregas de las franquicias de La momia. Y cuando nos reunimos con Lee, él pensaba lo mismo, así que le dejamos a él al mando. Nuestra visión compartida estaba alineada: nosotros queríamos hacer algo único, especial y que pudiera estar a la altura de los grandes títulos de esta longeva franquicia.

MISTERIO ANTIGUO

JAMES WAN: De hecho, fui a Egipto con mi mujer hace unos años y visitamos muchos lugares diferentes. Una de las cosas que más me llamó la atención fueron las tumbas donde estaban enterrados los faraones y cómo todo lo que está dentro ha sobrevivido por miles de años. Todas esas historias que se cuentan, algunas de las cuales entendemos, otras no. Creo que una de las cosas que resulta muy inquietante de la película de Lee es que profundiza en estos misterios de cómo esta civilización antigua prosperó de una manera tan extraordinaria.

Y gran parte de ello sigue sin descubrirse y sigue siendo un misterio para nosotros. 

EXPECTACIONES

JASON BLUM: Lo que más emoción me da es pensar que el público experimente miedo, horror y emoción. Y pienso que la película que hizo Lee transmite estas tres cosas a lo grande, gracias a todas las capas que ha incluido y a que es emotiva. Te sientes muy involucrado en el destino de esta familia; te preocupas por ellos. De repente, un niño desaparece y eso trae consigo el terror. Y situarlo en el contexto de esta mitología de las momias lo hace aún más aterrador.

JOHN KEVILLE (Productor)

HISTORIA

JOHN KEVILLE: Lee y yo hemos trabajado juntos durante casi veinte años. Nos conocimos cuando hacíamos videos corporativos para clientes: Lee dirigía y yo editaba. Incluso los trabajos más rutinarios los abordamos como si fueran para la audiencia más grande posible, en la pantalla más grande. Todo el dinero que ganamos en esos proyectos lo reinvertimos en hacer cortometrajes. Así fue como conseguimos el apoyo de nuestra agencia nacional, Screen Ireland, para realizar la primera película de Lee, EL BOSQUE MALDITO, que se estrenó en Sundance Film Festival.

EL GUION

JOHN KEVILLE: ¡Fue una locura! Exhibía todo en lo que Lee es bueno como guionista, pero además tomó la profundidad a un universo narrativo de la Momia y le dio un giro singular. Los elementos de investigación llegaron después, ampliando la historia y el mundo cinematográfico.

EL BRIEF

JOHN KEVILLE: Partimos de algunos objetivos muy claros. El primero fue hacer una verdadera película de terror para la pantalla grande con una Momia. El segundo, subvertir el l universo narrativo existente de la Momia. Luego Lee añadió —muy generosamente— animales, niños, múltiples idiomas y una historia que va de El Cairo a Nuevo México.

Rodamos la película en Irlanda y España, y contamos con un equipo increíble. Tuvimos voces creativas extraordinarias en todos los departamentos y la integración entre los equipos de Irlanda y España fue totalmente fluida. El estudio apoyó el plan de producción que planteamos y siento que logramos lo que nos propusimos.

APROVECHAR EL PASADO

JOHN KEVILLE: Creo que la experiencia de trabajar en EL BOSQUE MALDITO y EVIL DEAD:

EL DESPERTAR me ha hecho confiar más en el proceso y tener más paciencia. A veces, como productor, puedes adelantarte demasiado y pensar que ya tienes la solución antes de que el director haya tenido tiempo de procesarla. Ellos están lidiando todos los días con lo macro y lo micro, así que necesitan espacio, apoyo y paciencia; eventualmente llegarán a lo que tú estás pensando. He entendido que darle a Lee las herramientas y la libertad para ser lo más creativo posible lo lleva a tomar las decisiones más emocionantes y, al final, a hacer la mejor película posible.

COLABORACIÓN

JOHN KEVILLE: El equipo de Blumhouse Productions y Atomic Monster no pudo haber sido más solidario con Lee y con nosotros como productores. Su nivel de éxito y experiencia es una inspiración, y aprendí muchísimo de ellos. Respaldaron a Lee y a todo el equipo en cada paso del camino.

CUMPLIR EL OBJETIVO

JOHN KEVILLE: En el corazón de esta película hay interpretaciones fantásticas. La búsqueda de la familia por su hija, el impacto psicológico contradictorio de su regreso y los esfuerzos del detective por encontrar respuestas al otro lado del mundo ofrecen un terreno muy amplio para explorar. Al final, el elenco sostiene todo este viaje emocional. Sus actuaciones unen todas las piezas mientras el misterio se revela y el horror irrumpe en sus vidas.

JOHN KEVILLE: Lee tiene una visión muy clara de lo que quiere cuando llega al set de filmación; pero, también tiene la capacidad de dejar que la historia, la locación o las motivaciones de los personajes evolucionen a partir de lo que lo rodea o de algo interesante que alguien diga o haga. Eso mantiene todo vivo en el rodaje. Claro, nadie duerme porque todo está cambiando constantemente; pero todo es en busca de la verdad de la historia, y al final, eso es lo que importa.

JACK REYNOR (Charlie) 

ATRACCIÓN POR EL PROYECTO

JACK REYNOR: Cuando leí el guion, me emocioné muchísimo por varias razones. La primera fue que tenía amigos haciendo esta película. Macdara Kelleher, uno de nuestros productores ejecutivos, es de mis amigos de toda la vida. De hecho, produjo mi primer película. Hemos intentado trabajar juntos en muchas cosas a lo largo de los años, entonces, fue genial que finalmente fuera en esta. Lee Cronin es un gran cineasta irlandés cuyo trabajo siempre he respetado enormemente, por lo que me hizo mucha ilusión trabajar con él. Poder hacerlo en casa, en Irlanda, también fue muy importante para todos nosotros. Estamos muy orgullosos de hacer una película como esta, con este alcance, a esta escala y con un equipo creativo tan fantástico detrás de nosotros.

JACK REYNOR: En cuanto al guion en sí, era tan alocado y con un tono tan amplio que parecía que iba a ser muy divertido. Tenía la sensación de que iba a ser una locura. Amo especialmente que la película tenga horror corporal explícito y momentos realmente repulsivos, al mismo tiempo que es increíblemente divertida. Quizás sea solo mi retorcido sentido del humor, pero creo que tiene mucho humor. Me encanta esa fluctuación en el tono y su diversidad. Esas fueron las cosas que realmente me atrajeron del guion.

ENCONTRAR AL PERSONAJE

JACK REYNOR: Para interpretar a Charlie, sentí que fue importante que, en primer lugar, nunca se creyera realmente capaz de ser padre. Quise aportar al personaje una ansiedad por la paternidad: que sintiera que había fracasado por completo a la hora de proteger a su hija y que eso le pesara constantemente. Eso crea un tira y afloja en él. Por un lado, quiere cumplir con su responsabilidad como padre. Por otro, se siente atraído por la investigación —intenta averiguar qué pasó—, lo que se convierte en una especie de distracción para no enfrentarse a su realidad actual.

JACK REYNOR: Al principio de la película, está a punto de empezar un gran trabajo en el extranjero y cree que puede compaginar su carrera con la paternidad. Luego, todo se derrumba. Se convierte en una persona destrozada que intenta seguir adelante día a día mientras se siente, fundamentalmente, un padre inadecuado. Una de las cosas que amé del guion fue que, aunque es una película de terror, también tiene un elemento noir. Este padre debería concentrarse en cuidar de sus hijos, pero en cambio siente un impulso por investigar lo que sucedió. Ese instinto investigador es fundamental para su identidad. Lo persigue como una misión, casi un viaje del héroe, porque necesita ese sentido de cierre.

LA SINGULARIDAD DE CRONIN

JACK REYNOR: Creo que Lee es un director único. Volviendo a la diversidad tonal de esta película, lo que realmente funcionó en EVIL DEAD: EL DESPERTAR fue el humor. Para los fans de esa franquicia, la capacidad para el humor de la historia es lo que la hace tan única, y Lee lo hace verdaderamente bien. Es capaz de saltar entre una dinámica familiar realista y algo completamente demencial, un horror corporal explícito para, posteriormente, volver atrás con muchos matices diferentes en el medio. Aporta algo fresco a La momia (que es un personaje centenario) y hace que parezca nuevo.

JACK REYNOR: Lee tiene una sensibilidad creativa interesante. Soy un gran fan de la literatura pulp —Robert E. Howard, H.P. Lovecraft— y ese tipo de terror, aventura e intriga es como funciona su mente. No escribe novelas, escribe guiones, pero ese tono y ese sabor genuinamente se transmiten. Lee piensa de forma cinematográfica. Cuando leí el guion, sentí que él veía la película en su cabeza. No siempre es así con los guiones, pero él tiene una visión clara y la capacidad de crear algo que resulta divertido, emocionante y envolvente de una forma singularmente cautivadora.

EL CINE COMO CIENCIA

JACK REYNOR: Si creciste amando el cine, especialmente el horror corporal, y eres fan de David Cronenberg o John Carpenter, esto sigue muy de cerca esa tradición. Hay muchos efectos prácticos hechos en el set y no digitalmente. Es pegajoso, asqueroso y realmente divertido. En parte, eso hace que parezca un experimento científico. Como actor protagonista, me encantaba planteármelo de una forma muy lateral: averiguar cómo hacer que esos efectos físicos funcionaran ante la cámara, cómo conseguir que algo se desprendiera o se deformara de la forma más repugnante, sabiendo que el diseño de sonido lo potenciaría más tarde. Se trata de combinar todos estos elementos para crear la versión más efectiva y cinematográfica de algo que está pensado para hacer que la gente se retuerza. Ese proceso me entusiasma de verdad. Por mucho que me encante la interpretación dramática, también me encanta el lado técnico del cine, y esta era una película muy técnica.

Eso la hizo increíblemente divertida.

LA SUMA DE TODOS LOS MIEDOS

JACK REYNOR: A mí parecer, la película aborda miedos muy profundos. Sí, hay sustos repentinos y horror corporal, pero además de eso, explora miedos sobre la vida: la paternidad, las relaciones, la responsabilidad y la pérdida. El miedo a perder a un hijo es el núcleo de la historia y el misterio que rodea esa pérdida es algo que permanecerá en la mente del público. 

LAIA COSTA (Larissa)

ABORDANDO EL PROYECTO

LAIA COSTA: Mi reacción al guion fue: “Vaya, ¿por qué quiere hablar conmigo este director?”. Básicamente, porque nunca había hecho un género como este: el terror. He hecho proyectos muy diferentes y, además, me asusto muy fácilmente. No veo películas de terror en absoluto. Creo que vi POLTERGEIST (Juegos diabólicos) cuando tenía 15 años y acabé durmiendo con mis padres después. Desde entonces, no he vuelto a ver ninguna película de terror. Pero luego se convirtió en un nuevo desafío para mí, tan solo la idea de hacer una película como esta. La primera vez que hablé con Lee, no me interesaba en absoluto el género, pero la conversación fue tan buena que quise saber más sobre él y su forma de hacer cine.

LA HIJA COMO MONSTRUO

LAIA COSTA: Lo que resulta muy interesante de esta película es el concepto de la momia como el mal o el monstruo. Usualmente, uno huye del monstruo, pero en esta película, todo el mundo quiere estar más cerca de esa entidad. Todos quieren conectar con la momia. Están a su alrededor todo el tiempo y buscan esa conexión en lugar de huir. Creo que Larissa, como madre, intenta estar muy presente con Katie. Hay algo en ser padre o madre… Los niños viven completamente en el momento presente; no piensan en el pasado ni en el futuro. Larissa apela a ello. Se concentra por completo en cuidar de Katie y en asegurarse de que vuelva, no solo físicamente, sino emocionalmente. Ese enfoque significa que no está muy presente con el resto de la familia. Está consumida por Katie.

TEMAS

LAIA COSTA: Para mí, la primera gran pregunta es, ¿dónde se encuentran esta pareja y esta familia tras ocho años de la desaparición de Katie? Decidimos abordarlo desde el punto de vista en el que el dolor compartido los mantiene unidos. Además, la presencia de sus otros dos hijos se convierte en una fuerza motriz: deben seguir adelante por ellos. Ese fue nuestro punto de partida tras esos ocho años. La pérdida y el duelo son procesos muy personales. Larissa y Charlie lidian con esas emociones de maneras muy diferentes. Larissa siempre creyó que Katie volvería. Mantuvo viva esa esperanza cada día. Ella tiene la creencia de que la historia no ha terminado y que puede traerla de regreso.

LOS MÉTODOS DE LEE CRONIN

LAIA COSTA: Ha sido un auténtico placer. Lee es divertido y un director de cine asombroso. Creo que tiene un mundo propio en la cabeza y su forma de trabajar en el set de filmación resulta muy agradable para un actor, porque se asegura de hacerte formar parte del proceso creativo. Quiere involucrar a todo el mundo y está muy abierto a escuchar ideas. Al mismo tiempo, tiene muy claro lo que necesita y lo que quiere. Casi se puede ver su montaje mientras se rueda. Pero también está muy abierto a crear desde cero, incluso el mismo día en el plató. Si cree que hay que rodar una nueva escena y no está en el guion, se lanza a por ello, y creo que eso es muy divertido.

LAIA COSTA: Hay un cierto aire de descaro en él que me gusta mucho. Cuando estás filmando escenas oscuras como las nuestras, necesitas esa ligereza y un buen chiste en el momento adecuado. Eso ayuda mucho. Es como un mago que equilibra esos mundos de la oscuridad a la luz entre el guion, la narrativa y la experiencia en el set. Él crea constantemente sobre la marcha. Puede llegar a una locación y pensar: “Debería rodar esta o esa escena aquí”, y entonces reescribir. O, después de vernos en una escena, dirá: “Creo que necesito escribir algo más”. Siempre está tomando ideas y remodelando el material, y nosotros básicamente nos dejamos llevar por él.

EL RODAJE

LAIA COSTA: El crew dentro del set de filmación eran amantes del quehacer cinematográfico, sin lugar a duda. Lee ha trabajado antes con muchos de ellos, así que se conocen muy bien, y se respira un ambiente familiar. Eso lo hace todo más fácil, porque rodar una película puede ser agotador, sobre todo durante cuatro meses en el extranjero. Las cosas pueden volverse apresuradas y estresantes, pero cuando se siente como una familia, es mucho más fácil capear esas olas. Lee quiere mantener dentro del set un ambiente sin estrés, divertido y creativamente activo. Siempre trabaja para conseguir esa buena energía, lo cual es especialmente importante en una película como esta.

MAY CALAMAWY (Detective Zaki)

EXPECTATIVAS

MAY CALAMAWY: Llegué con una idea más o menos así, pensando: “¿Es esto con lo que me voy a encontrar?”. Y me dejó alucinada, porque era completamente diferente. La historia se basó en una realidad emocional y en una verdad diferentes, sin dejar de estar conectada con la cultura egipcia; y esa parte no parece un escaparate ni algo meramente estético. En el set, daba la sensación de que el misterio y la cultura estaban integrados en el ADN de la película y del guion, algo que muchas veces no ocurre. Solo se utilizan con fines estéticos o como espectáculo.

CUANDO CONOCEMOS A ZAKI

MAY CALAMAWY: Zaki está en los separos de la comisaría de El Cairo. Es evidente que se siente infrautilizada. Está lista para ascender y trabajar en casos que, en su opinión, son más importantes o que le atraen más. Termina involucrada en este caso concreto con Charlie, Larissa y la familia Cannon, porque sabe hablar inglés. Se lanza a por ello y piensa: “Este es mi momento para demostrar mi valía”. Obviamente, la historia es horrible, y con el tiempo te das cuenta de que, al menos en el caso de Zaki, tiene un impulso obsesivo hacia su brújula moral, hacia la justicia en el mundo y hacia la lucha por ella. Así es como aborda cada caso que le llega. Pero hay sin duda algo diferente en éste que no le deja en paz. La verdad es que simplemente no saben mucho, y por eso se detiene un momento, hasta que encuentran a Katie. Entonces vuelve a cobrar impulso. Una vez que empiezan a llegar más pistas, tiene más a lo que aferrarse y se pone a toda máquina.

MISTERIO Y TERROR

MAY CALAMAWY: Es casi como si esta película tuviera al menos dos géneros. Solo puedo hablar de lo que está pasando Zaki, pero en El Cairo, realmente llevamos a cabo una investigación: conducimos hasta el medio de la nada, intentamos averiguar qué le pasó a Katie. Entonces, se siente como una película de detectives que se desarrolla en paralelo. Eso choca con lo que vive la familia en Nuevo México, que es un nivel de horror completamente diferente en su hogar. Zaki intenta averiguar qué lo está causando, pero no conoce la magnitud de lo que les ha estado sucediendo. Cuando finalmente viaja a Estados Unidos y se topa con todo, no me parece que sea algo que ella hubiera podido anticipar. Sabe que algo no va bien y que, en última instancia, no va a salir bien según lo que ha descubierto, pero no tiene ni idea de que fuera a tal nivel.

TRABAJAR EN EL GÉNERO

MAY CALAMAWY: Trabajé en una película de terror hace años. Se llama DJINN, de Tobe Hooper. No tuve un papel muy grande, pero pude probar un poco y me encantó. Llevo años diciendo que quiero volver a trabajar en el género de terror y estoy muy contenta de que me haya llegado esta oportunidad. En lo relativo al gore, es interesante, porque cuando estás en el set de filmación y llevas puestas los prostéticos y la sangre, en realidad no te se siente paranormal. Te insensibilizas, porque sabes lo que es. La gente que te rodea también tiene sangre encima y acabas pasando diez horas en medio de todo eso, simplemente paseándote y tomando café helado con un agujero enorme en el cuello, por ejemplo; te olvidas de lo que está pasando. Incluso durante el rodaje de la escena final, recuerdo que hubo un momento en el que podía ver el encuadre. Era un primer plano, pero aun así lo veía, y era todo tan técnico. Pensaba: “OK, ¿dónde coloco los dedos? ¿Debería subirlos un poco?”. La realidad es que el efecto de la escena es bastante asqueroso y mucha gente fuera de la sala decía: “No he podido verlo”. Pero cuando lo estás haciendo, no sé, quizá sea que estoy mal de la cabeza, no me afectó tanto. Ahora…  estuve diciendo todo el tiempo que quería estar cubierta de sangre y, después de cuatro días, ya estaba harta. Es pegajosa desde la primera hora, y nada glamorosa, la verdad. [ríe] Pero lo volvería a hacer.

LEE CRONIN COMO DIRECTOR

MAY CALAMAWY: Creo que es una confirmación de la genialidad de Lee. Por muy comprometido que esté con el aspecto técnico, entiende perfectamente cómo contar la historia a través del lente y la cámara, y eso se une a su compromiso con la verdad emocional y el significado que hay bajo toda esa locura. Eso lo convierte en un director con el que es un sueño trabajar. Tiene claridad de lo que quiere. Empiezas a entender, dependiendo del lente que se esté usando, cuándo se trata de un plano más técnico, y en ese sentido es muy claro. Siempre te ubica, te dice dónde estamos. La mayoría lo hace si lo pides, pero en ocasiones, necesitas esa guía sin tener que solicitarla. La dirección no siempre tiene que ver con lo que está pasando emocionalmente en el momento. A veces, se trata del encuadre y de lo que se necesita para que la escena funcione. Él no me dice qué hacer ni me sobrecarga de indicaciones; simplemente dice: “Este es el mundo en el que estamos”, y eso ayuda muchísimo. No necesariamente implica alcanzar picos emocionales. A veces se trata de moverte de una forma muy específica para responder a las necesidades técnicas. Sobre todo, en este tipo de películas, donde hay sustos repentinos y ritmos muy específicos, esa precisión técnica importa. Pero lo mejor de Lee es que no es solo técnico. No solamente tiene la sensibilidad para sentir a todxs quienes le rodean y es muy atento, sino también lleva la atención a la capa emocional de cada momento.

NATALIE GRACE (Katie)

EL PROYECTO

NATALIE GRACE: Creo que tiene mucho más que el simple aspecto de los sustos repentinos, el miedo y la tensión. En algún momento estarás llorando y, al siguiente, riendo; Lee verdaderamente hace un trabajo maravilloso al crear un arco para la experiencia emocional que vive el espectador. Después de leer el guion, estaba tan emocionada y me sentía tan esperanzada porque pensé: “Sería una locura formar parte de esto”. No es algo que se vea muy seguido. Creo que lo que ha hecho Lee es realmente asombroso, por cómo ha añadido tantos temas diferentes. No es solo una película de terror. Es mucho más que eso.

KATIE CONTRA LA MOMIA

NATALIE GRACE: Lee y yo hablamos mucho sobre el hecho de que hay una línea muy fina entre Katie y la Momia, y no quisimos que fuera simplemente una chica poseída porque ya se ha visto mucho de eso en el cine. Quisimos que hubiera algún tipo de distinción. Lo principal de lo que hablamos fue que, si este es todo mi cerebro, hay un rincón de mi cerebro donde permanece la joven Katie porque esa es su red de seguridad. Ha estado encerrada durante tanto tiempo que esa es verdaderamente la única parte de ella que se ha mantenido, y el demonio se ha apoderado de todo lo demás. Eso es muy importante porque es un equilibrio delicado que hay que mantener. Vemos destellos de ella a lo largo de la película, pero hay que mantenerse dentro de esa línea.

MOVIMIENTOS Y ACROBACIAS (STUNTS)

NATALIE GRACE: Tengo formación en danza y practico mucho yoga, entonces, desde un inicio ya era bastante flexible. Llegué un tiempo antes de que llegaran los demás para el rodaje, para trabajar con el equipo de stunts. Son maravillosos. Me ayudaron mucho con los movimientos y a aprender a controlar mi cuerpo de la manera requerida, porque me llevó un tiempo entenderlo. Son movimientos muy precisos. Es diferente a todo lo que he hecho antes. Trabajé cinco días a la semana en los movimientos específicos.

NATALIE GRACE: Hice todas las escenas de acción yo misma, excepto una en la que hago una caída muy específica desde el techo. Mi doble, Chelsea, hizo esa. Intencionalmente, quise hacer todas las escenas de acción que pudiera. Pasé por cuatro o cinco semanas de entrenamiento para poder hacerlo todo. Mi favorita… estoy intentando pensar… Me gustó mucho dar cabezazos. Fue muy divertido. También le doy un mordisco en la mejilla a alguien, lo cual fue divertido. Me arrastro por el techo, y eso fue realmente genial. Tuve que ponerme un arnés para eso. Probablemente, cada vez que me ponía el arnés era mi momento favorito. 

EL PERSONAJE

NATALIE GRACE: Me supuso un desafío en todos los sentidos posibles. Es un papel único, porque tiene todo tipo de aspectos difíciles. Tengo que abarcar todo el abanico de emociones posibles y, además, combinarlo con acrobacias y acción. Y también lo contrario: tengo que permanecer completamente inmóvil mientras a mi alrededor suceden cosas de locos. Fue un reto muy, muy grande. Pero creo que he crecido en los últimos cuatro meses más de lo que jamás pensé que fuera posible como actriz. Ha sido una gran bendición en ese sentido, porque aprendí cosas nuevas sobre el personaje y sobre mí misma cada día en el plató. Me ayuda mucho con mi creatividad en otros aspectos de mi vida. Empecé a escribir mucho más. Leí muchos más libros de lo que suelo hacer. Empecé a pintar y a dibujar. Cuando estás tan metida en un personaje tan intenso, necesitas diferentes formas de desahogo para procesar esas emociones y que no se te queden pegadas. Tuve que hacer todo eso para salir de ese estado mental, pero realmente me ayuda a crecer como persona en general.

VERÓNICA FALCÓN (Carmen)

REACCIÓN AL GUION

VERÓNICA FALCÓN: La primera vez que leí el guion, sentí angustia. No pude terminarlo. Hubo un momento en el que dije: “Oh, no. Oh, no”. Pero, claro, quería ver qué pasaba en la historia, así que seguí leyendo y me quedé en estado de shock. Es un guion verdaderamente, realmente potente. El tono es un poco híbrido. Por un lado, tienes todo lo que pertenece al género de terror. Por otro, tienes una obra muy bien escrita, centrada en los personajes.

Luego hay un poco de humor negro y también algunos de los giros emocionales más intensos que se pueden experimentar. La combinación de todo eso es muy interesante. Cuando no estamos en los momentos de terror extremo, el tono es muy orgánico, naturalista y realista. Luego, el terror te lleva a un lugar más intenso que es mucho más extremo.

EL PERSONAJE

VERÓNICA FALCÓN: Carmen es la matriarca, pero más que eso, es el pilar de seguridad. Está acostumbrada a cuidar, proteger y amar, y ama ser esa persona. Es una madre extremadamente cariñosa, pero no agobiante. Sabe dar espacio. Conecta profundamente con sus nietos y está muy unida a Larissa, su única hija. También tiene una buena relación con su yerno. Es fuerte, resiliente e inteligente. Ama la vida y es muy religiosa, pero es en su espiritualidad donde encuentra su propio sentido de contención. Siempre está apoyando a los demás, y si se le preguntara quién apoya a Carmen, la respuesta sería Dios. Esa combinación hace que sea un placer interpretarla.

TRABAJAR CON LEE CRONIN

VERÓNICA FALCÓN: Lo primero que me viene a la mente es la diversión, lo cual sé que suena extraño para una película de terror, pero es muy divertido trabajar con él. La razón no es solo porque es un hombre muy agradable con un gran sentido del humor, sino también porque te permite, como actriz, llegar a lugares muy inesperados. Te provee un entorno muy seguro para que hagas tu trabajo. Siempre digo que tiene algo que rara vez se encuentra: estas dos cosas en un mismo director. Por un lado, es muy específico y preciso con respecto a su película, lo que quiere, lo que necesita y su visión. Por otro lado, te da mucha libertad para experimentar y crear. Te provoca e inspira como actriz. Esas dos cosas juntas, más su sentido del humor, hacen que sea un placer trabajar con él.

LA CASA DE CARMEN

VERÓNICA FALCÓN: Carmen se mueve principalmente dentro de su casa. Solo hay un par de escenas en las que está fuera, pero la mayor parte de su presencia se desarrolla dentro de la casa. Estar en esos sets de filmación una y otra vez fue fascinante, porque cada vez descubría nuevos detalles. Esos detalles me ayudaron a comprender a Carmen. Reflejan su amor por la vida y su apego a los recuerdos. Guarda recuerdos y su casa está llena de ellos, lo que demuestra lo mucho que valora su pasado y sus experiencias. También es ahorradora y aprecia la artesanía, conservando las cosas hasta que realmente es necesario sustituirlas. También hay un sentido del humor en su entorno. Hay un cuadro sobre su cama que, inmediatamente, me dijo mucho sobre ella: su humor, su amor por la naturaleza y su aprecio por la vida. El trabajo del departamento de arte en la creación de ese espacio me resultó increíblemente útil como actriz.

INFORMACIÓN SOBRE LA PRODUCCIÓN

LOCACIONES

• Dublín funcionó como la base principal del estudio, mientras que se utilizaron localizaciones en Almería, España, para representar tanto Egipto como Nuevo México, gracias a sus variados paisajes. Almería es famosa por haber sido utilizada como localización en algunas de las películas de Sergio Leone, como “Lawrence de Arabia” e “Indiana Jones y la última cruzada”, entre otras. 
• Las dos localizaciones clave de la historia —la casa de la familia Cannon y el recinto del Mago— se encontraban a poca distancia visual una de otra en Almería. Los exteriores se rodaron en ambas locaciones, mientras que todas las escenas en interiores se realizaron en los sets de filmación en Dublín.
• Una granja de nectarinas verdadera inspiró la casa del Mago, que se incorporó al guion después de que un scouting revelara su potencial visual y narrativo.
• Una secuencia en el mercado —cuando Charlie persigue a Katie y a su secuestrador— se creó al transformar una plaza existente en la zona llamada Almedina, en un bazar denso y animado, lleno de extras, movimiento y detalles ambientales.

LA CASA DE LA FAMILIA CANNON

• Aproximadamente, el 80 % de la película transcurre dentro de la casa que funciona como un personaje central, y cuyo cambio físico refleja el efecto que Katie tiene sobre su familia y su entorno dentro de la historia.
• La casa de la familia Cannon se construyó en nueve semanas, después de una fase de diseño de cuatro semanas. Está basada en una edificación real, descubierta en España que tuvo ampliaciones hasta convertirla en una propiedad ficticia de varios niveles, adaptada a la narrativa de la película. 
• Durante la búsqueda de locaciones, el equipo de producción vio “lo que parecía una gran casa en el horizonte”, recuerda el diseñador de producción Nick Bassett. “La investigamos y nos dimos cuenta de que el paisaje a su alrededor era perfecto y los cimientos eran buenos, pero no tenía la altura ni las habitaciones necesarias. No tenía la escala que realmente necesitábamos para que la película tuviera lugar”. Todo se solucionó gracias a un trabajo intensivo. Según Bassett: “Añadimos esta planta superior de dos formas: materialmente, mediante construcción; y luego, parcialmente, con efectos visuales para completar la estructura. La casa como la vemos no existe en la realidad. Es una propiedad ficticia, pero situada en un lugar muy concreto y real en Almería, España”. 
• La casa se construyó como un entorno totalmente funcional utilizando materiales auténticos como suelos de madera y azulejos españoles adquiridos durante los scoutings, techos reales, luminarias y una arquitectura funcional para reforzar el realismo a cuadro.
• El set de filmación abarcó dos niveles, con el techo de la planta superior elevado, aproximadamente, 2.5 metros para permitir las acrobacias de stunts y los movimientos de cámara, mientras que unas escaleras duplicadas garantizaron la continuidad entre los niveles.
• La casa se diseñó como un espacio habitado y multigeneracional, incorporando papel tapiz envejecido, decoración en capas e influencias culturales de México, Nuevo México y España para sugerir una larga historia familiar. Bassett explica: “Quisimos que pareciera un lugar muy real, así que la construimos de forma muy realista. Madera en el suelo, azulejos auténticos importados de España. Mantenemos los muros originales —aunque, también contamos con muros movibles—, el estilo fotográfico consiste en permanecer dentro del perímetro del set de filmación. Para mantener la cámara dentro de los espacios reales”.
• La cocina se concibió como un cálido centro familiar, pero también sirve como escenario inicial del horror, donde comienzan a emerger signos de contaminación. Todos los cajones, armarios y elementos prácticos estuvieron equipados y operativos en su totalidad, lo que permitió a los actores interactuar de forma natural y orgánica con el entorno, además de favorecer la improvisación.
• El estudio se diseñó como un espacio de investigación donde los padres se sintieran en tierra firme y anclados, el punto de partida de Charlie y Larissa para la búsqueda de Katie, con tonos terrosos y elementos simbólicos que refuerzan su peso emocional.

La casa evoluciona visualmente a lo largo de la película. Esta progresión se consigue mediante un diseño en capas, cambios en la decoración y la integración de efectos prácticos.

• La decoración de interiores de la casa refleja la psicología de los personajes (incluido el apego de Carmen a sus recuerdos) artesanías y la historia personal a través de objetos y recuerdos coleccionados (y considera un nivel de detalle tal, como un retrato pintado de su difunto perro chihuahua).

SETS DE FILMACIÓN ADICIONALES / CONSTRUCCIONES ESPECIALES

• Se construyó en Dublín un set en forma de pirámide diseñado para conectar a la perfección con la locación exterior española —situada en el patio del complejo del Mago— creando la ilusión de un entorno continuo que conduce a una cripta subterránea.
• Un banco en desuso de Dublín, cerca del Trinity College, se transformó en la comisaría de El Cairo de la detective Zaki mediante una decoración del set detallada, que incluía letreros en árabe y elementos culturales de diseño específicos. También se colocó un suelo nuevo y se instalaron rejas en las ventanas.
• Se modificó y envejeció un avión real para crear el avión accidentado que se estrella mientras intenta transportar el sarcófago. El sitio del accidente se escenificó y se rodó a las afueras de Dublín, en un lugar que se adaptó visualmente para emular la región del Nilo.

DEPARTAMENTO DE ARTE / AMBIENTACIÓN (DECORACIÓN DEL SET)

• La ambientación incorporó materiales y referencias globales; combina la arquitectura española con detalles culturales específicos vinculados a la mitología del filme. Para construir la versión cinematográfica del mito egipcio, la producción colaboró con académicos de la Universidad de Trinity; según los cineastas, la historia se reconfigura y la realidad se deforma en función del relato, para adaptarse a la trama. Incluso, la producción toma un verso real del antiguo Egipto (originalmente pensado para proteger a la familia del mal) y lo reescribe al servicio de la ficción.

Se diseñaron elementos simbólicos, entre ellos variaciones del escarabajo alado, para representar dentro de la historia los temas de protección, advertencia y amenaza oculta.

• Los elementos escenográficos (props) clave —entre ellos, el sarcófago de basalto de 3000 años de antigüedad donde encuentran a Katie— se basaron en información obtenida a través de investigaciones históricas; pero, al final, se diseñaron como objetos ficticios inspirados en prácticas antiguas plausibles.
• Se utilizó el movimiento ambiental —como telas, elementos de viento y texturas en capas— para crear dinamismo visual, especialmente, en las secuencias en exteriores como la persecución en el mercado.

CINEFOTOGRAFÍA

• Cada plano se diseñó para ser único, evitando la repetición y asegurando que el movimiento de cámara y el encuadre apoyaran, directamente, la intención narrativa. “Rara vez usamos el mismo plano dos veces”, afirma el director de fotografía Dave Garbett.
• La iluminación enfatizó la luz solar incandescente y el contraste profundo para emular el calor seco de Egipto y Nuevo México, mientras que los interiores equilibraron la calidez con sombras inquietantes. “La premisa general o la fuerza motriz de la iluminación fue un sol brillante y ardiente”, añade Garbett.
• Se utilizaron lentes especializadas, como lentes de sonda y dioptrías divididas, para realzar la intimidad y la distorsión en los momentos clave de terror.

DISEÑO DE VESTUARIO

• El diseño de vestuario siguió una estrategia visual unificada, con paletas de colores cuidadosamente coordinadas entre los personajes y los ambientes de la escena, como soporte de la narrativa. Según la diseñadora de vestuario Joanna Eatwell, “Lee tiene una técnica que él llama ‘la prueba del entrecerrar los ojos’: literalmente, entrecerramos los ojos para ver si algo destaca o parece fuera de lugar”.

El vestuario incorporó texturas y signos de desgaste para reflejar un realismo vivido, al mismo tiempo que seguía la evolución de los personajes y los cambios de tono a lo largo de la película.

ACROBACIAS (STUNTS)

• Los miembros del reparto se sometieron a un exhaustivo entrenamiento de acrobacias y algunos —en particular, Natalie Grace— realizaron varias de sus stunts sin ayuda de sus dobles. Para las escenas con acciones de alto riesgo o muy técnicas, sí contaron con el apoyo de dobles en el set.
• Los movimientos diseñados para Katie requirieron semanas de ensayo, concentradas en la práctica de movimientos antinaturales y bruscos, y en una fisicidad controlada que la distingue de una chica de 16 años promedio.

LA TRANSFORMACIÓN DE KATIE

• La transformación de Katie en momia implicó la aplicación de prostéticos en varias fases, lo que frecuentemente requirió hasta ocho horas de maquillaje e incorporó numerosas piezas de silicona superpuestas en el rostro y el cuerpo.
• El diseño del maquillaje evoluciona a lo largo de la película; refleja una progresión engañosa en la que el personaje pareciera mejorar físicamente.
• El extenso proceso de maquillaje contribuyó a la inmersión de Natalie Grace en el personaje de Katie, influyendo en su expresividad corporal, postura y conexión psicológica con el personaje.

EFECTOS ESPECIALES (SFX)

• Los efectos prácticos (creados artesanalmente en el set) se basaron, en gran medida, en la experimentación con texturas y materiales para lograr cualidades visuales específicas, especialmente, en lo que respecta a los fluidos corporales y la descomposición ambiental.

Por motivos de seguridad y realismo, se utilizaron frecuentemente materiales de origen alimentario; incluidas mezclas saborizadas, diseñadas para usar en escenas que requirieron su ingestión o una interacción cercana con los actores. (A Natalie Grace le gustan las frambuesas y el equipo de SFX saborizó los fluidos con los que debió lidiar su personaje con esa fruta).

• Los efectos de comida en descomposición se crearon mediante combinaciones de comida real, limo (slime) y reacciones químicas para producir una descomposición convincente. Se descubrió que incorporar melaza negra añadía una textura fibrosa al limo (y tenía la ventaja añadida de oler bien). La adición de bombas de baño a la comida en mal estado del frigorífico aportó efervescencia y burbujas.
• Para trabajar en colaboración con los efectos visuales, se utilizaron gomitas sabor mora azul con forma de escorpión que permitieron a los actores interactuar con los arácnidos, con la ventaja añadida de que todo podía captarse con la cámara, para luego hacerse más letal y activo con la ayuda de los efectos visuales (VFX).

EFECTOS VISUALES (VFX)

• Los efectos visuales se enfocaron en realzar los elementos prácticos en lugar de sustituirlos; se basaron en tomas de texturas reales, interpretaciones y materiales existentes en el set de filmación.
• Se utilizaron animales vivos (como los escorpiones) y referencias hechas en la práctica para inspirar el trabajo digital con las criaturas y garantizar que los movimientos e interacciones creíbles.
• Se utilizaron efectos a gran escala —como tormentas de arena y extensiones digitales del entorno— para ampliar el alcance de la película y conectar locaciones separadas.

SOBRE EL REPARTO

JACK REYNOR (Charlie) es un galardonado actor irlandés-estadounidense.

Próximamente, Reynor protagonizará la esperada película LA POSESIÓN DE LA

MOMIA, dirigida por Lee Cronin para Atomic Monster, Blumhouse y New Line. La fecha de estreno está prevista, a nivel internacional, a partir del 16 de abril de 2026. Esta primavera, también es protagonista la segunda temporada de la serie de espionaje de Prime Video, CITADEL, junto a Richard Madden, Priyanka Chopra Jonas y Stanley Tucci. CITADEL supone la segunda colaboración de Reynor con los hermanos Russo y AGBO, tras haber aparecido en su película CHERRY junto a Tom Holland. En junio, Reynor estelariza, junto a Nick Jonas y Paul Rudd, la comedia musical de John Carney, POWER BALLAD. Descrita como una “historia inspiradora y llena de música”, la película sigue a un cantante de bodas, una estrella del rock y la canción que se interpone entre ellos. 

Jack se encuentra actualmente en el rodaje de la segunda temporada de SE PRESUME

INOCENTE, de Apple TV+, una serie antológica judicial inspirada en la novela de 2026 “Dissection of a Murder”, de Jo Murray. Jack interpreta el papel protagonista junto a Rachel Brosnahan.

En años recientes, Jack protagonizó la exitosa miniserie de Netflix de 2024, LA PAREJA PERFECTA, junto a Nicole Kidman y Liev Schreiber. La adaptación televisiva de seis episodios de la novela de Elin Hilderbrand, sigue a Amelia (Eve Hewson), quien está a punto de casarse con un miembro de una de las familias más ricas de Nantucket, hasta que una muerte impactante descarrila la boda y convierte a todo el mundo en sospechoso. Reynor interpretó a Thomas Winbury, el hermano mayor del novio. En sus primeros cuatro días de transmisión, se convirtió en la serie más vista de Netflix, acumulando 20.3 millones de visualizaciones. Mantuvo su posición Nº 1, con 21.9 millones de visualizaciones la semana siguiente. En 2023, Reynor protagonizó la película de Carney FLORA E HIJO, que se vendió a Apple TV+ tras su estreno en Sundance. FLORA E HIJO narraba la historia de una madre soltera en apuros en Dublín que conecta con su conflictivo hijo adolescente a través de su amor compartido por la música.

Reynor ha ido ampliando su filmografía con interpretaciones aclamadas por la crítica en proyectos de directores de autor como MIDSOMMAR, de Ari Aster, junto a Florence Pugh; WHAT RICHARD DID, de Lenny Abrahamson; SING STREET: ESTE ES TU MOMENTO, de Carney; FUEGO CRUZADO, de Ben Wheatley, y DETROIT: ZONA DE CONFLICTO, de Kathryn Bigelow. 

Con su talento polifacético escribió y dirigió un cortometraje, BAINNE, protagonizado por Will Poulter, que ganó el premio al Mejor Primer Cortometraje Dramático en el Festival de Cine de Galway. Reynor protagonizó junto a Felicity Jones UNA CUESTIÓN DE GÉNERO, de Mimi Leder, que narra la vida de Ruth Bader Ginsburg y su lucha por la igualdad de derechos antes de su nombramiento en el Tribunal Supremo de los Estados Unidos, y la serie de CBS All Access, STRANGE ANGEL, coproducida por Sailor Bear y Ridley Scott bajo su sello Scott Free. Además, alcanzó reconocimiento mundial como protagonista de TRANSFORMERS: LA ERA DE LA EXTINCIÓN, de Michael Bay, que recaudó más de 1000 millones de dólares en todo el mundo.

En 2015, Reynor ganó el Premio Especial del Jurado a la Interpretación en la categoría dramática del Festival de Cine de Sundance por su actuación en la película de Gerard Barrett GLASSLAND. Otros galardones incluyen dos premios IFTA al mejor actor secundario por su interpretación en SING STREET: ESTE ES TU MOMENTO y el premio IFTA al mejor actor por su papel en WHAT RICHARD DID.

Jack reside en Dublín.

LAIA COSTA (Larissa) protagonizó la aclamada película VICTORIA, que fue improvisada casi en su totalidad por los actores. La película, de 134 minutos de duración, se filmó de forma asombrosa en una sola toma (plano secuencia) y fue solo su tercer intento de hacerlo. Costa ganó el LOLA (el equivalente alemán al Óscar) a la “Mejor Actriz” y obtuvo la nominación a un Premio del Cine Europeo a la “Mejor Actriz Europea”. La película también participó en la nominación a “Mejor película europea”. Su interpretación le valió además una nominación al prestigioso premio BAFTA EE Rising Star.

Entre sus créditos cinematográficos se incluyen SOLO TÚ con Josh O’Connor, el drama romántico NEWNESS de Drake Doremus junto a Nicholas Hoult, DUCK BUTTER de Miguel Arteta con Alia Shawkat, PIERCING de Nicolas Pesce y LIFE ITSELF de Dan Fogelman con Antonio Banderas. Además de LA RUEDA DEL TIEMPO de Amazon con Rosamund Pike, la serie DEVILS con Patrick Dempsey y SOULMATES de AMC, fue la protagonista femenina de la miniserie FOODIE LOVE de Isabel Coixet y HBO España, rodada en España, Francia y Japón.

Costa ganó el Premio Goya (el máximo galardón cinematográfico español) a la “Mejor Actriz Principal” por CINCO LOBITOS (también conocida como LULLABY), que se estrenó en el Festival de Cine de Berlín. Al año siguiente, obtuvo la nominación a otro Premio Goya a la “Mejor Actriz Principal” por UN AMOR, un filme basado en el libro homónimo, en la que volvió a colaborar con Isabel Coixet. Su próximo proyecto es la película CRUZADOS, de Daniel Sánchez Arévalo, para Netflix.

MAY CALAMAWY (la detective Zaki) es una actriz egipcio-palestina y uno de los talentos emergentes más prometedores de Hollywood. Su gran salto a la fama se produjo en 2019, cuando se convirtió en personaje habitual de la serie cómica de Hulu, RAMY, ganadora de un premio Peabody y nominada a los Emmy. Calamawy interpreta a Dena, la hermana perspicaz y reflexiva de Ramy, quien se abre camino en una vida que, frecuentemente, choca con las tradiciones de su familia. Su interpretación ha sido ampliamente aclamada como una de las actuaciones más entrañables y matizadas de la televisión.

Calamawy hizo historia al incorporarse al Universo Cinematográfico de Marvel en la aclamada serie MOON NIGHT, protagonizada junto a Oscar Isaac y Ethan Hawke, convirtiéndose en la primera superheroína árabe y egipcia del UCM.

Esta primavera, Calamawy protagoniza, junto a Jack Reynor y Laia Costa, la película de LA POSESIÓN DE LA MOMIA, para Atomic Monster, Blumhouse y New Line, que estrena a partir del 16 de abril.

A continuación, Calamawy se une al reparto de la esperada serie de acción de Netflix MERCENARY: AN EXTRACTION SERIES, creada por Glen Mazzara. Protagoniza la serie junto a Omar Sy, Boyd Holbrook y Natalie Dormer.

Originaria de Baréin, Calamawy se formó en el Emerson College y en el William Esper Studio. Reside en el Reino Unido.

NATALIE GRACE (Katie) protagoniza la esperadísima película LA POSESIÓN DE LA MOMIA. Producida por los titanes del cine de terror James Wan (Atomic Monster), Jason Blum (Blumhouse) y John Keville (Wild Atlantic Pictures), y escrita y dirigida por Lee Cronin (Doppelgangers), de EVIL DEAD: EL DESPERTAR. Esta nueva versión del clásico del terror se estrena el 16 de abril de 2026 para Atomic Monster, Blumhouse y New Line, redefiniendo el género de terror.

Natalie ofrece otra interpretación destacada junto a Brandon Sklenar en 1923, la aclamada precuela de la galardonada YELLOWSTONE, disponible en Paramount+. En esta apasionante saga, creada por el visionario Taylor Sheridan, Natalie no solo aporta profundidad e intensidad a su papel, sino que también asume el reto de realizar sus propias escenas de acción, esta vez bajo la experta dirección del legendario director de fotografía Ben Richardson.  

Consolidando su posición como estrella en ascenso y auténtica fuerza en la pantalla, Natalie ofreció otra cautivadora interpretación en el papel de “La Princesa” en RAYMAR, de Adrien Boubil, una fantástica película medieval que arrasó en el circuito de festivales. Con su matizada interpretación en esta película de época, Natalie demuestra una profundidad sin igual en el papel y las intrincadas capas emocionales que requiere la historia, poniendo de relieve su capacidad para dominar cualquier género con facilidad. RAYMAR ha cosechado múltiples galardones de prestigio, entre ellos el codiciado Premio de Cine de Los Ángeles al Mejor Piloto y el Premio al Mejor Serie de TV del Festival Internacional de Cine de Nollywood de Toronto. 

Natalie es también una locutora veterana que ha perfeccionado su arte al participar en dibujos animados, largometrajes de animación y anuncios publicitarios, demostrando su capacidad para dar vida a personajes y marcas con una precisión cautivadora. La versatilidad artística de Natalie se extiende a sus notables habilidades vocales, siendo su trabajo con los acentos sencillamente impecable, en particular su perfecto acento británico de la BBC. 

Natalie es también una experta doble de acción (stunt) y una profesional en secuencias de lucha, así como en movimientos complejos como el trabajo con cables y la contorsión, y es experta en llevar prostéticos de cuerpo entero y lentes de contacto esclerales. 

Natalie es una artista verdaderamente polifacética cuyas impresionantes habilidades van mucho más allá de la interpretación. Natalie es una cantante extraordinaria con una voz potente y versátil que abarca desde el contralto hasta el soprano. Además de su talento vocal, también es bailarina con formación en ballet y tap, una pianista experta y una compositora dotada. Al ser también una consumada multiinstrumentista y compositora, espera con ilusión la oportunidad que le permita mostrar sus talentos artísticos en el escenario y la pantalla. 

Más allá de la música, Natalie es también una excepcional artista visual, conocida por su estilo único en la pintura y el dibujo, lo que le ha valido una gran atención y admiración. Natalie también aprecia el arte de la moda y el modelaje, y se enorgullece de su trabajo con la fotógrafa, autora y expositora de renombre internacional Marie Tomanova, apareciendo en la campaña de vallas publicitarias de Meta para 2023 en Times Square y Los Ángeles. La incomparable versatilidad de Natalie en múltiples medios artísticos la convierte en un talento muy solicitado en la industria del entretenimiento, lo que la distingue como una formidable fuerza creativa.

La formación de Natalie se basa en una enseñanza de primer nivel, perfeccionando su arte con entrenadores de renombre mundial como Marnie Cooper, Julia Jones y Mitchell Gossett. Toma clases de canto en Jan Smith Studios y con Eileen Kimble. Esta formación integral, combinada con su amplia experiencia, su sólida ética de trabajo, su compromiso con la excelencia, su pasión por las artes y su talento innato, ha convertido a Natalie en una intérprete muy solicitada y en una auténtica estrella en ascenso.

VERÓNICA FALCÓN (Carmen) nació en Ciudad de México. Se le considera una de las actrices más prestigiosas y versátiles de México, además de una coreógrafa excepcional. En 2015, se mudó a Estados Unidos y, en cuestión de meses, fue elegida para uno de los papeles principales de la exitosa serie de televisión LA REINA DEL SUR, donde interpretó a “Camila Vargas” junto a Joaquim de Almeida y Alice Braga; su personaje se convirtió, rápidamente, en uno de los favoritos de los fans como una de las mejores villanas de la televisión.

Desde entonces, Falcon ha trabajado en varias series de televisión de prestigio: OZARK, junto a Laura Linney, Julia Garner y Jason Bateman, donde interpretó a otra villana icónica; PERRY MASON de HBO, junto a Matthew Rhys y John Lithgow; la aclamada PERPETUAL GRACE LTD. de Steven Conrad, donde interpretó a “Clara” junto a Sir Ben Kingsley; Luis Guzmán y Jackie Weaver; en POR QUÉ MATAN LAS MUEJRES, de Marc Cherry, donde interpretó otro papel antagónico, así como en 911, de Ryan Murphy. Cuenta con docenas de créditos televisivos a su nombre, estos son solo los más recientes.

En cine, su filmografía más reciente incluye: LA POSESIÓN DE LA MOMIA, de Lee Cronin, junto a Jack Reynor, Laia Costa y May Elghety; JUNGLE CRUISE, de Disney, donde interpretó a “Trader Sam” junto a Dwayne Johnson, Emily Blunt y Jesse Plemons; A MILLION MILES AWAY, junto a Michael Peña; LA PURGA POR SIEMPRE, junto a Tenoch Huerta, y INSTINTOS OCULTOS, junto a Colin Farrell. El nominado al Óscar Ted Melfi dirigió a Verónica en THE STARLING, junto a Chris O’Dowd y Melissa McCarthy. Otras películas incluyen la película de terror de Blumhouse IMAGINARIO: JUGUETE DIABÓLICO y ARISTÓTLES & DANTE DESCUBREN LOS SECRETOS DEL UNIVERSO.

La primera película de Verónica fue EL CALLEJÓN DE LOS MILAGROS, dirigida por Jorge Fons. Protagonizada por Salma Hayek y Bruno Bichir, la película se convirtió en una de las más premiadas en la historia de la industria cinematográfica mexicana. Sin embargo, su gran salto al cine se produjo cuando interpretó a “La Madrina” en DÍAS DE GRACIA, de Everardo Gout, película considerada una de las más importantes de la década en México. Otros créditos cinematográficos en Latinoamérica son: UN MONSTRUO DE MIL CABEZAS, dirigida por el multipremiado director Rodrigo Plá; el remake de la película de culto HASTA EL VIENTO TIENE MIEDO; LOS HEREDEROS, CANELA, SALVANDO AL SOLDADO PÉREZ Y BESOS DE AZÚCAR, dirigida por el nominado al Óscar, Carlos Cuarón. El trabajo de Verónica en la película de Cuarón le valió una nominación a Mejor Actriz de Reparto a los premios Ariel, por parte de la Asociación de Críticos de Cine de México.

Verónica comenzó su carrera como actriz en el teatro, para luego pasar al cine y la televisión. Durante muchos años, la Sra. Falcón fue directora artística de su propia compañía de teatro independiente. Su trayectoria en el teatro incluye producciones en México, Berlín y Estados Unidos. Cuenta con créditos en el teatro como actriz, directora, coreógrafa, productora y dramaturga. En 2013, ganó una beca en este ámbito; el premio fue un incentivo del proyecto “Global Micro-theatre” para producir nuevas obras. Su obra se representó con éxito en Ciudad de México y Miami. El año 2022 marcó el debut de la Sra. Falcón en los escenarios de Nueva York. La “Redbull Theatre Company” la invitó a participar en su producción off-Broadway de “Arden of Faversham”. Verónica ganó el “Premio HOLA” a la Excelencia en el teatro como Mejor Actriz de Reparto por ese papel.

La Sra. Falcón es dos veces nominada como actriz para el “Premio Imagen”. En 2019 fue galardonada con el “Premio Impact”, otorgado por la Coalición Nacional de Medios Hispanos por su excelencia en televisión, y en 2024, el Festival de Cine de Santa Fe la honró con el “Premio Trailblazer Visionary” y el “Premio a la mejor actriz”.

También ha recibido invitación, en varias ocasiones, para trabajar con la Ópera Nacional de México como coreógrafa. Su coreografía de “Don Giovanni” de Mozart sigue considerándose una de las obras más originales jamás creadas para la compañía. Coreografió a varias de las estrellas del pop latino más populares de los años 90, así como conciertos, anuncios y desfiles de moda.

A los quince años, Verónica obtuvo el título de profesora de inglés; además, habla con fluidez alemán y francés. Recientemente se graduó en el programa de Escritura Creativa de la UCLA; actualmente, toma el curso para obtener el certificado en estudios del entretenimiento, además de certificados en dirección en NYU y Sundance. También se encuentra en el desarrollo de proyectos para cine y televisión; así como en la edición de una recopilación de sus relatos cortos para su publicación y en la comisaría su obra fotográfica para una próxima exposición en 2026.

SOBRE LOS CREADORES DE LA PELÍCULA

Criado en la localidad costera de Skerries, a las afueras de Dublín, LEE CRONIN (guionista, director y productor ejecutivo) aspiraba a ser pescador, payaso y cazafantasmas. Su temprana educación en el cine de género clásico le llevó a darse cuenta de que el cine reunía esas tres aspiraciones.

Tras curtirse con numerosos cortometrajes galardonados, el primer largometraje de Cronin, EL BOSQUE MALDITO, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2019 con gran éxito de crítica. Fue distribuida por A24 y le valió una nominación al Premio Saturn al director revelación.

Su segundo largometraje, EVIL DEAD: EL DESPERTAR, se estrenó en SXSW en 2023.

Alcanzó el éxito tanto de crítica como de taquilla, recaudando 150 millones de dólares para Warner Bros. en la taquilla mundial y valiéndole a Cronin el Premio Fangoria Chainsaw al Mejor Director.

Cronin vive en Irlanda, donde dirige su recién creada productora, Wicked/Good. Esta nueva entidad ha producido su tercer largometraje, la muy esperada LA POSESIÓN DE LA

MOMIA, con estreno está previsto para esta primavera –a partir del 16 de abril, a nivel internacional, a cargo de New Line Cinema/Warner Bros.

JAMES WAN (productor) es considerado como uno de los cineastas más creativos de la actualidad. Es un creador de universos que ha sido pionero en nada menos que seis franquicias: AQUAMAN, EL CONJURO, LA NOCHE DEL DEMONIO (INSIDIOUS), SAW: EL JUEGO DEL MIEDO, MORTAL KOMBAT y M3GAN. Wan también forma parte de un selecto grupo de directores con dos películas que han recaudado más de 1000 millones de dólares en la taquilla mundial: RÁPIDOS Y FURIOSOS 7 (la primera película de Universal Studios en alcanzar los 1000 millones de dólares) y AQUAMAN, que es la película de DC Studios con mayor recaudación mundial de todos los tiempos. 

          Como director, la filmografía de Wan incluye SAW: EL JUEGO DEL MIEDO (2004), LA

NOCHE DEL DEMONIO (2010), EL CONJURO (2013), INSIDIOUS: CAPÍTULO 2 (2013),

RÁPIDOS Y FURIOSOS 7 (2015), EL CONJURO 2 (2016), AQUAMAN (2018), MALIGNO (2021) y AQUAMAN Y EL REINO PERDIDO (2023).

Como productor, los créditos cinematográficos de Wan incluyen ANNABELLE (2014), LA NOCHE DEL DEMONIO: CAPÍTULO 3 (2015), CUANDO LAS LUCES SE APAGAN (2016), EL CONJURO 2 (2016), ANNABELLE: LA CREACIÓN (2017), LA MONJA (2018), LA NOCHE DEL DEMONIO: LA ÚLTIMA LLAVE (2018), LA MALDICIÓN DE LA LLORONA (2019), ANNABELLE: EL REGRESO (2019), MORTAL KOMBAT (2021), EL CONJURO: EL DIABLO ME OBLIGÓ A HACERLO (2021), MALIGNO (2021), HAY ALGUIEN DENTRO DE TU CASA (2021), LA NOCHE DEL DEMONIO: LA PUERTA ROJA (2023), LA MONJA 2 (2023), M3GAN (2023), AQUAMAN Y EL REINO PERDIDO (2023), AGUAS SINIESTRAS (2024), EL MISTERIO DE SALEM’S LOT (2024), EL MONO (2025), M3GAN 2.0 (2025) y EL CONJURO 4: ÚLTIMOS RITOS (2025). Entre las próximas películas se incluyen LA POSESIÓN DE LA MOMIA, MORTAL KOMBAT 2, LA NOCHE DEL DEMONIO 6 (INSIDIOUS: THE BLEEDING WORLD) y LA OTRA MADRE.

En televisión, Wan ha sido productor ejecutivo de varias series de distintos géneros, entre ellas MACGYVER (2016), SWAMP THING (2019), AQUAMAN: REY DE ATLANTIS (2021), SÉ LO QUE HICIERON EL VERANO PASADO (2021), ARCHIVE 81 (2022), CONEJO SAMURAI: LAS CRÓNICAS USAGI (2022), TEACUP: EL IMPOSTOR (2024), VERDADERAMENTE ATERRADOR (2025), LA PRUEBA COPENHAGE (2025) y, más recientemente, la serie de Prime Video 56 DÍAS.

Wan fundó su propia productora, Atomic Monster, en 2014, para levantar proyectos tanto cinematográficos como televisivos y en plataformas de streaming. En 2024, la empresa se fusionó con Blumhouse, uniendo así a dos potencias de la producción independiente en un único hogar para el cine de terror. 

JASON BLUM (productor), fundador y director ejecutivo de Blumhouse, es un productor tres veces nominado a los Premios de la Academia^®, dos veces ganador de un Premio Primetime Emmy y tres veces ganador de un Premio Peabody. Blumhouse es una empresa de cine, televisión y videojuegos considerada como la fuerza motriz del género de terror. 

Tras su fusión con Atomic Monster, de James Wan, en enero de 2024, las empresas combinadas son responsables de casi 10,000 millones de dólares en taquilla mundial y han representado aproximadamente el 50 % del mercado del terror en los últimos diez años.  

Juntas, las dos empresas han producido cerca de 250 películas y series de televisión, incluida la franquicia de terror más exitosa de la historia con el Universo El Conjuro, lo que convierte a Blum y Wan en los productores independientes más prolíficos y exitosos de la última década. En 2025, Blumhouse-Atomic Monster amplió, aún más, su imperio del terror al adquirir participación de Twisted Pictures en la franquicia Saw: el juego del miedo, reuniendo así la propiedad con sus creadores originales, James Wan y Leigh Whannell.

En el cine, Blum ha producido franquicias lucrativas e icónicas del género como Halloween, Actividad paranormal, La noche del demonio (Insidious), Feliz día de tu muerte, Siniestro y La purga, por mencionar algunas.  Entre los próximos estrenos se incluyen La posesión de la momia, para Warner Bros.; Obsesión, de Curry Barker, para Focus Features; Mortal Kombat II, para Warner Bros.; La noche del demonio (Insidious), para Sony; La otra madre, protagonizada por Jessica Chastain, y El exorcista, dirigida por Mike Flanagan y protagonizada por Scarlett Johansson, para Universal. Entre los créditos adicionales de Blum en largometrajes se incluyen, entre otros: Glass, Fragmentado y Los huéspedes, de M. Night Shyamalan; Whiplash: música y obsesión, de Damien Chazelle; El infiltrado del KKKlan, de Spike Lee; y ¡Huye!, de Jordan Peele, recientemente nombrada una de las “Top 10 de las mejores películas del siglo XXI” por The New York Times.  

En televisión, las empresas fusionadas se dedican a la programación provocativa de género, desde aclamadas series con guion y sin guion hasta documentales. La destacada lista de series de Blumhouse Television incluye la franquicia de éxito mundial nº 1 Los peores compañeros de casa del mundo y Los peores ex del mundo para Netflix; una nueva adaptación de la novela “The Rainmaker”, de John Grisham, para USA Network, a cargo del guionista y productor ejecutivo Michael Seitzman; y Scarpetta, basada en la serie de libros superventas de Patricia Cornwell, que tiene como protagonistas a Nicole Kidman y Jamie Lee Curtis —ambas, también productoras de la serie— y contará con Liz Sarnoff como showrunner, para Prime Video. 

El estudio independiente también ha cosechado elogios de la crítica, incluyendo una nominación a los Globos de Oro para Ethan Hawke por su interpretación en El pájaro carpintero (The Good Lord Bird); un Globo de Oro y un Critics Choice Award por Heridas abiertas (Sharp Objects); un Globo de Oro por la interpretación de Russell Crowe en La voz más alta (The Loudest Voice); y premios Emmy por sus producciones de Un corazón normal y The Jinx (El gafe): vida y muertes de Robert Durst, para HBO.

La división Blumhouse Games recientemente lanzó su primera lista de videojuegos, entre los que se encuentran los aclamados Fear the Spotlight, Eyes of Hellfire, Sleep Awake y Crisol: Theater of Idols, con el muy esperado juego de misterio Grave Seasons como próximo título a estrenar en la lista.

El nombre de Jason Blum ha figurado en la lista de las “Top 100 personas más influyentes del mundo” de la revista TIME y, en varias ocasiones, también ha aparecido en la lista “New Establishment” de Vanity Fair. En febrero de 2026 recibió el premio Milestone en los premios del Sindicato de Productores de América (SAG Awards), otorgado a personas que han realizado contribuciones históricas a la industria del entretenimiento. En 2019 recibió el premio al Logro Especial de la Asociación de Críticos de Cine Afroamericanos, el mayor organismo de críticos de cine negros del mundo. En 2016, recibió el premio al Productor del Año en CinemaCon. Además, Blum figuró en la primera “Lista de Inclusión de la Iniciativa Annenberg” como uno de los principales productores inclusivos de 2019 a 2022, con tres películas que figuran en la lista de las 100 películas más inclusivas. 

Blumhouse obtuvo el reconocimiento de Fast Company como una de sus empresas más innovadoras en 2024 y como una de sus marcas más importantes en 2025 y 2023. La empresa de Blum está invirtiendo en el desarrollo de su marca y en la conexión con el público a través de su presencia constante en las Halloween Horror Nights anuales de Universal Studios, su primer festival de cine Halfway to Halloween con AMC y su próxima transformación de un espacio de exposición en el emblemático Stanley Hotel de El resplandor.

Jason forma parte del consejo de administración de The Public Theater de Nueva York, el Sundance Institute, el Vassar College, la American Cinematheque y el Academy Museum of Motion Pictures. Blum donó 10 millones de dólares a Vassar, la mayor donación jamás realizada a la universidad por un antiguo alumno varón.

Antes de fundar Blumhouse, Blum fue codirector del departamento de Adquisiciones y Coproducciones de Miramax Films en Nueva York. Comenzó su carrera como director de producción de la Malaparte Theater Company, fundada por Ethan Hawke.

Jason Blum con la guionista Lauren Schuker Blum y tienen cuatro hijos: Roxy, Booker, Bette Sue y Tuesday.

JOHN KEVILLE (productor) es un galardonado productor y copropietario de la productora de Lee Cronin, Wicked/Good. También es codirector ejecutivo de Wild Atlantic Pictures. Entre los largometrajes más recientes de John se encuentran LUNA AZUL, dirigida por Richard Linklater y nominada al Óscar, y el éxito de taquilla en el Reino Unido e Irlanda SAIPAN, protagonizada por Steve Coogan, que se estrenó en el Festival de Cine de Toronto.

Anteriormente, John produjo EVIL DEAD: EL DESPERTAR, que estrenó en cines por Warner Bros. en 2023 y que recaudó 147 millones de dólares en todo el mundo; OSO INTOXICADO, que recaudó 88 millones de dólares en todo el mundo; la película de terror islandesa LOS CONDENADOS, protagonizada por Odessa Young; y la original de Amazon MI NOVIA DE MENTIRA (DATING AMBER), dirigida por David Freyne y protagonizada por Sharon Horgan.

Entre los créditos de John como productor también se incluyen EL BOSQUE MALDITO, la ópera prima de terror de Lee Cronin, que se estrenó en la sección Midnight del Festival Sundance 2019 y se vendió a A24, y GOOD FAVOUR, de Rebecca Daly, que se estrenó en el TIFF 2017 y el ADIFF 2018. En 2016, produjo EL GUARDIÁN DE LA RELIQUIA (PILGRIMAGE), protagonizada por Tom Holland y Jon Bernthal.

Actualmente se encuentran en fase de posproducción SOULM8TE, de Kate Dolan; 4

KIDS WALK INTO A BANK, protagonizada por Liam Neeson; y la épica estadounidense YOUNG WASHINGTON.

En 2024, los productores de Wicked/Good, John Keville, Macdara Kelleher y Lee Cronin, firmaron un acuerdo de primera opción con New Line Cinema.

El trabajo de DAVID GARBETT (director de fotografía) detrás de cámaras está disponible para apreciar en ESPARTACO: LA CASA DE ASHUR de Starz, LA ASTRONAUTA de Jess Varley y en la tercera temporada de la serie de fantasía de Netflix SWEET TOOTH: EL NIÑO CIERVO para Team Downey, DC Entertainment y Warner Bros. Television. Garbett obtuvo una nominación a un premio ACS por su trabajo en el episodio 8 de la segunda temporada, “Big Man”, y recibió un Emmy a la mejor fotografía en un programa de acción real con una sola cámara por SWEET TOOTH: EL NIÑO CIERVO. Garbett ha trabajado en varias series de Netflix, entre ellas la segunda temporada de MONKEY, FALLING INN LOVE y GARY OF THE PACIFIC.

También colaboró anteriormente con Lee Cronin en el éxito EVIL DEAD: EL DESPERTAR. 

Garbett comenzó su carrera como director de fotografía en la serie “Legend of the Seeker”, de Robert Tapert, y siguió trabajando con él en “Spartacus” y “Ash vs Evil Dead”. 

Garbett también hace anuncios publicitarios entre proyecto y proyecto de ficción. 

Entre sus otros trabajos como operador de cámara se incluyen MULAN, COWBOY BEBOP y Z FOR ZACHARIAH. 

Garbett ganó el premio al Logro en Fotografía por su debut como director de fotografía en la serie de televisión RIDE WITH THE DEVIL en los Premios Qantas de Cine y Televisión de 2008. En 2014, Garbett ganó el premio a la Mejor Fotografía por su primer largometraje, EVERYTHING WE LOVED, en los NZ Film Awards.

Garbett participó en la filmación de los proyectos I, OBJECT y LA NOCHE DEL DEMONIO 6 (INSIDIOUS: THE BLEEDING WORLD), próximos a estrenarse. 

NICK BASSETT (diseñador de producción) es un neozelandés que inició su carrera como diseñador de producción en la aclamada serie de televisión ASH VS EVIL DEAD, trabajando para Sam Raimi y Robert Tapert. Más recientemente, su trabajo como diseñador de producción puede verse en EVIL DEAD: EL DESPERTAR, de Lee Cronin, y en LA CALLE DEL TERROR: LA REINA DEL BAILE, de Matt Palmer.

El trabajo de Bassett también se podrá ver en la próxima KUNG FURY 2, dirigida por David Sandberg y protagonizada por Michael Fassbender y Arnold Schwarzenegger; y en la última entrega de la popular franquicia, LA NOCHE DEL DEMONIO 6 (INSIDIOUS: THE BLEEDING WORLD). 

Bassett fue el diseñador de producción de la película de 2020 MANOS A LAS ARMAS (GUNS AKIMBO), protagonizada por Daniel Radcliffe, y también diseñó la serie de drama fantástico SWEET TOOTH: EL NIÑO CIERVO para Team Downey, DC Entertainment y Warner Bros. Television.

Bassett comenzó su carrera como director artístico en la serie de televisión de Starz SPARTACUS: BLOOD AND SAND. Entre sus créditos cinematográficos se incluyen VERTICAL LIMITS; TIGRE Y DRAGÓN: LA ESPADA DEL DESTINO; y AVATAR, de James Cameron. Recibió una nominación a los Primetime Emmy por Mejor Dirección Artística en IKE: COUNTDOWN TO D-DAY y fue galardonado por el Sindicato de Directores de Arte con el premio a la

Excelencia en Diseño de Producción por su contribución como director de arte en AVATAR. 

BRYAN SHAW (edición/montaje) es un montador cinematográfico neozelandés ganador de múltiples premios que ha trabajado en una amplia gama de documentales, dramas y películas de terror.

Entre los largometrajes de Shaw se incluyen: ASH, GRAFTED (INJERTO), EVIL DEAD: EL DESPERTAR, BORN RACER, SIONE’S 2: UNFINISHED BUSINESS, THE DEVIL DARED ME TO y EVIL DEAD (2013).  

Entre los créditos televisivos de Shaw se incluyen: THE GONE, A REMARKABLE PLACE TO DIE, MY LIFE IS MURDER, ASH VS EVIL DEAD, OUTRAGEOUS FORTUNE, DOVES OF WAR, SPARTACUS, THE ALMIGHTY JOHNSONS y WESTSIDE. 

El vestuario de JOANNA EATWELL (diseñadora de vestuario) abarca desde dramas de época y fantasía hasta acción y thrillers. Su trabajo puede verse en las películas: LOS RADLEY, LAZOS DE VIDA, VENOM: CARNAGE LIBERADO, EL TENIENTE OTOMANO, CREYENTES, SEXO & DROGAS & ROCK & ROLL y MR. IN-BETWEEN. Entre sus proyectos televisivos se incluyen: WOLF HALL, A SPY AMONG FRIENDS, A CHRISTMAS CAROL, CARNIVAL ROW, THE MINIATURIST, BEECHAM HOUSE, THE STATE, TABOO, COALITION, THE MILL, THE PARADISE, SIRENS y THE PROMISE, entre muchos otros. 

A lo largo de los años, Eatwell también ha diseñado vestuario para videoclips de diversos artistas, entre los que se incluyen UB40, Londonbeat, Peter Gabriel, The Farm, Fuzzbox, The Kinks, The Bee Gees, Elton John, Iggy Pop, Queen, AC/DC, Arcadia, Tina Turner, Daryl Hall, Breathe, The Art of Noise, Culture Club, Spandau Ballet, Diana Ross, Bananarama y Wham!. 

STEPHEN McKEON (composición de música original) lleva más de tres décadas componiendo música para cine y televisión. Músico polifacético y multiinstrumentista, ha compuesto la banda sonora de más de cien largometrajes y numerosas series dramáticas y documentales de televisión internacionales galardonados, entre los que se incluyen los recientes LOS CONDENADOS, LOS REYES DE BALTIMORE, KIN: EL LEGADO, EVIL DEAD: EL DESPERTAR, ESCALERA AL INFIERNO, ROSE PLAYS JULIE, NUCLEAR y EL BOSQUE MALDITO, entre muchos otros.

McKeon ha sido nominado a varios premios internacionales y ha recibido tres premios de la Academia Irlandesa de Cine y Televisión a la Mejor Banda Sonora Original: por EL GUARDIÁN DE LA RELIQUIA (PILGRIMAGE, 2017), EL DOBLE (THE TIGER’S TAIL, 2006) y QUEEN & COUNTRY (2014) —la secuela de HOPE AND GLORY—, estas dos últimas para el legendario director John Boorman. 

McKeon vive y trabaja en sus Moonflower Studios, en el condado de Wicklow (Irlanda), y en los Myshkin Studios, en Londres.